„Atmen Sie tief ein“: Bericht von der Biennale in Venedig – 2026

Wir berichten, wie die Biennale, die noch bis zum 22. November dauert, ausgefallen ist und was es dort zu sehen gibt – von den Giardini bis zum Arsenale.

Die Ausstellung, die die Kuratorin nicht gesehen hat

Kuo (1967–2025) – eine aus Kamerun stammende Kuratorin, Gründerin der RAW Material Company in Dakar, Direktorin des Zeitz MOCAA in Kapstadt und erste Afrikanerin an der Spitze der Biennale – verstarb im Mai 2025, nachdem sie den Titel, die Teilnehmerliste, den kuratorischen Text und die räumliche Logik der Ausstellung festgelegt hatte. Mit Unterstützung ihrer Familie beschloss die Biennale, das Projekt genau so umzusetzen, wie Kuo es konzipiert hatte: Die Arbeit wurde von dem von ihr zusammengestellten Team vollendet, das im Katalog als „la squadra di Koyo“ bezeichnet wird. Daher ist „In Minor Keys“ zugleich eine große internationale Ausstellung und zwangsläufig ein Denkmal für die eigene Kuratorin: Im Zentralpavillon empfängt die Besucher ein monumentales Gemälde von María Magdalena Campos-Pons, auf dem Kuo neben der Schriftstellerin Toni Morrison inmitten von Magnolien dargestellt ist.
„Moll-Tonarten“ sind hier sowohl eine musikalische Metapher (leise Töne, Flüstern, Blues) als auch eine geografische: kleine Inseln, Gärten, Innenhöfe und Tanzflächen, an denen das Leben in den dunkelsten Zeiten wieder auflebt. Das versprochene Erlebnis ist „sinnlich, nicht didaktisch“: Die Ausstellung soll nach Quos Konzeption beleben, nicht ermüden. Durchgängige Motive sind die Prozession, der kreolische Garten, der Zauber und das Recht auf Erholung; in den Sälen sind tatsächlich Teppichbereiche eingerichtet, in denen man sitzen und sich sogar hinlegen kann.

Giardini: Der Garten hält Einzug

Das Thema des Gartens wird bereits vor dem Eingang zum Zentralpavillon deutlich: Otobong Nkanga hat die vier modernistischen Säulen des Gebäudes mit Ziegeln „verkleidet“ und daran Glasterrarien, Tontöpfe und Bienenhäuschen – bis November sollen die Pflanzen die Fassade buchstäblich überwuchern. Im Inneren eröffnet ein riesiges, mit Federn besticktes Kostüm namens „Amistad Takeover“ von Big Chief Demond Melanson, das in der New-Orleans-Tradition des „Black Masking“ geschaffen wurde, den Umzug. Die Künstler sind hier nicht in einzelnen Sälen eingeschlossen, sondern „tauchen“ überall in der Ausstellung auf – eine bewusste Abkehr vom monografischen Format. Ein unerwarteter Held ist Marcel Duchamp: Ein Seitenraum interpretiert ihn nicht als Vater des Konzeptualismus, sondern als Beispiel für „institutionelle Fürsorge“ – dank der detaillierten Anweisungen, die er für die Montage seines letzten Werks Étant donnés hinterlassen hat.
Zwei verstorbene Künstler werden zu Leitsternen der Ausstellung: Dem Senegalesen Issa Sambu und der Amerikanerin Beverly Buchanan sind eigene „Heiligtümer“ gewidmet. Und sechs von Künstlern gegründete Institutionen – von blaxTARLINES in Kumasi über das NCAI in Nairobi bis hin zur RAW Material Company – werden als „Schulen“ präsentiert, als Verkörperung von Kuos Glauben an den Aufbau von Institutionen.

Arsenal: Prozession

Am Eingang zur Cordierie werden die Besucher von einem Gedicht von Refat Alarir begrüßt – einem palästinensischen Dichter, der 2023 in Gaza ermordet wurde; die Ausstellung wird durch eine Installation von Khaled Sabsabi eröffnet. Im weiteren Verlauf verwandelt eine lange Reihe ehemaliger Seilwerkstätten den Rundgang selbst in eine Prozession, die durch dunkelblaue Banner mit Zitaten – von Toni Morrison bis Ben Okri – markiert ist (die Architektur der Ausstellung wurde vom Kapstädter Büro Wolff Architects entworfen).
Die Szenen folgen aufeinander wie in einem Zeitlupenfilm. Zwei venezianische Feuerwehrleute der „Vigili del Fuoco“ verharren vor einer transparenten Säule mit Erde, die unter Beirut ausgegraben wurde – dies ist ein langjähriges Projekt von Joanna Hadjitomas und Khalil Joreij, die anhand geologischer Bohrkerne, Schicht für Schicht, die Geschichte der Städte entschlüsseln. Eine Terrakottafigur mit einer ornamentalen Maske liegt halb auf „Inseln“ aus Tonblumen – „Efflorescence/The Way We Wake“ von Rajni Perera und Marigold Santos. Ein fotografischer Wasserfall, der sich über Spiegelplatten ergießt, spiegelt sich im glänzenden Boden wider; aus karierten Decken unter der Decke ergießt sich bereits rotes Garn in Wasserfällen; ein bronzenes Männchen liegt auf dem Boden unter einem mit Blumen bedeckten Boot. Und irgendwo zwischen den Werken – eine Bleistiftinschrift direkt an der Wand: „I told you so“.
Zu den namhaften Künstlern zählen Nick Cave (ein US-amerikanischer Künstler, Namensvetter des Musikers), Vangeci Mutu, Kader Attia und Laurie Anderson. Alfredo Jaar hat in seiner roten „Kathedrale“ *The End of the World* acht konfliktbehaftete Metalle – von Kobalt bis Lithium – zu einem winzigen Block gepresst; die zusammengenähten Leinwände von Kaloki Nyamai erstrecken sich über die gesamte zwölf Meter hohe Höhe der Corderie; vor „Black Earth Calendar“ von Nolan Oswald Dennis liegen die Besucher lange Zeit auf Kissen. Die Kritik nahm die Ausstellung positiv, wenn auch nicht uneingeschränkt auf: „The Art Newspaper“ vergab dreieinhalb Sterne, während „Apollo“ den Kuratoren vorwarf, dass die dichte Hängung ihrem eigenen „minorischen“ Aufruf zum langsamen Betrachten widerspreche.

Die Ukraine in Venedig

Das ukrainische Projekt „Sicherheitsgarantien“ (Künstlerin: Zhanna Kadyrova, Kuratoren: Ksenia Malykh und Leonid Maruschak) ist eine der eindrucksvollsten nationalen Stellungnahmen des Jahres. Im Mittelpunkt steht der Beton-„Hirsch“ aus der Serie „Origami“, der 2019 für einen Park in Pokrowsk an der Stelle eines abgebauten sowjetischen Flugzeugs – eines Trägers für Atomwaffen – geschaffen wurde. Im August 2024, als sich die Front der Stadt näherte, wurde die Skulptur evakuiert; sie legte auf einer offenen LKW-Ladefläche mehr als 3.000 Kilometer durch Europa zurück und befindet sich nun „in einem Schwebezustand“ im öffentlichen Raum Venedigs. Das Projekt nimmt Bezug auf das Budapester Memorandum von 1994: „Diese Garantien sollten uns schützen. Doch sie existierten nur auf dem Papier“, sagt Kadyrova. Im Arsenale werden eine Mehrkanal-Videoinstallation über die Reise des „Rehs“ sowie Archivmaterial zum Memorandum gezeigt.
Wer in den kommenden Wochen nach Venedig reist, sollte sich mit dem Begleitprogramm beeilen: Die Ausstellung „Still Joy – from Ukraine into the World“ im Palazzo Contarini-Polignac ist nur noch bis zum 1. August zu sehen.

Die Pavillons, über die man spricht

Der am meisten diskutierte Pavillon ist der österreichische: Die Choreografin Florentina Holzingger hat ihn in ein überflutetes Venedig der Zukunft (Seaworld Venice) verwandelt, und über dem Eingang hat sie an einem Kran eine Bronzeglocke mit der Inschrift „O tempora, o mores“ aufgehängt – stündlich schwingt darin eine Performerin hin und her und schlägt mit ihrem eigenen Körper gegen die Glocke. Deutschland präsentiert das Projekt „Ruin“: Henrike Naumann, die im Februar 2026 im Alter von 41 Jahren plötzlich verstorben ist, hatte es noch geschafft, „The Home Front“ fertigzustellen – ein „ostdeutsches“ Interieur mit mintgrünen Wänden in der Farbe sowjetischer Kasernen und in der Mitte durchgeschnittenen Stühlen an den Wänden. Und das japanische Projekt „Grass Babies, Moon Babies“ von Ei Arakawa-Nash wurde zum herzlichsten Erlebnis der Giardini: Den Besuchern wird angeboten, eine der 208 beschwerten Babypuppen mit Sonnenbrille in die Arme zu nehmen, sie durch den Pavillon zu tragen und ihr sogar die Windel zu wechseln.

Hintergrund: Was die Eröffnung so besonders machte

Die Eröffnung der Biennale im Mai war von der schwerwiegendsten politischen Krise in ihrer jüngeren Geschichte begleitet. Die Jury, die die „Goldenen Löwen“ vergibt, erklärte, dass sie Künstler aus Russland und Israel nicht für die Preise berücksichtigen werde; nach einer Klage eines israelischen Jurymitglieds trat die gesamte Jury neun Tage vor der Vernissage zurück, und die russische Ausstellung wurde aus dem Wettbewerb genommen. Die Rückkehr Russlands in seinen Pavillon – zum ersten Mal seit der großangelegten Invasion im Jahr 2022 – löste eine Welle von Protesten aus: Am 6. Mai versuchten Pussy Riot und FEMEN, die Presseveranstaltung zur Eröffnung des Pavillons zu blockieren; die Gruppe Bluemoloko ließ in der Nähe einen schwarzen Leichensack schweben (Performance „Cargo to Heaven“), während der Soldat und Kameramann Juri Gruzinow zusammen mit dem Künstler Alexej Say mit einem Notizbuch mit dem Titel „Liste der Bastarde 2026“ dort erschien. Letztendlich war der russische Pavillon nur während der Preview-Tage geöffnet und bleibt für die Öffentlichkeit geschlossen; die Teilnahme der Russischen Föderation könnte der Biennale Berichten zufolge rund 2 Millionen Euro an EU-Fördermitteln kosten. Auch Südafrika hat seinen Pavillon abgesagt – aufgrund des Projekts „Elegy“ von Gabriel Goliath, einer Video-Klage um ermordete Frauen; nun wird das Werk unabhängig davon in der Kirche Sant’Antonino gezeigt und gilt als eines der wichtigsten Werke der diesjährigen Biennale in Venedig.

Hintergrundinformationen

Die 61. Internationale Kunstausstellung „La Biennale di Venezia“ findet vom 9. Mai bis zum 22. November 2026 in den Giardini, im Arsenale, auf der Forte Marghera sowie an Dutzenden von Orten in der ganzen Stadt statt. Die Hauptausstellung „In Minor Keys“ vereint 110 Teilnehmer; insgesamt umfasst die Biennale 100 nationale Beiträge und 31 Parallelveranstaltungen. Im Sommer (bis zum 27. September) ist die Ausstellung von 11:00 bis 19:00 Uhr geöffnet (im Arsenale freitags und samstags bis 20:00 Uhr), im Herbst von 10:00 bis 18:00 Uhr; montags ist geschlossen. Eine Vollpreis-Eintrittskarte kostet 30 Euro, eine ermäßigte 20 oder 16 Euro, eine Dreitageskarte 40 Euro und eine Akkreditierung für die gesamte Saison 80 Euro.

Alle Fotos in diesem Beitrag stammen von Olena Hrynevych – einer Künstlerin aus der Ukraine, die derzeit in Deutschland lebt, was sich in der Bildsprache der Serie widerspiegelt. Ihre Aufnahmen umfassen auch die Hauptausstellung „In Minor Keys“ in den Giardini und im Arsenale – den Perlenpavon von Ebony J. Patterson, die Terrakotta-„Inseln“ von Rajni Perera und Marigold Santos sowie die Beiruter „Kern“-Installationen von Hadjitomas und Joreiza – und die nationalen Pavillons von Österreich, Deutschland, Japan, den skandinavischen Ländern, Großbritannien, Frankreich und den USA. Dabei fotografiert sie nicht nur die Kunstwerke selbst, sondern auch das Leben um sie herum: eine Performerin, die sich in einer Bronzeglocke wiegt, venezianische Feuerwehrleute, die vor einer Erdsäule erstarrt stehen, sowie Besucher an der Schwelle des britischen Pavillons. Im Ergebnis wirkt die Serie nicht wie ein Katalog, sondern wie ein Tagebuch des langsamen Betrachtens – in genau jener „minor-Tonart“, die Koyo Kuo beabsichtigt hatte.